Después de tanto esperar, por fin os hablamos de nuestros one project. Una selección de ocho artistas españoles y latinoamericanos respaldados por ocho grandes galerías, en formato “solo-show” que podréis disfrutar dentro de la feria. Ocho nuevas apuestas para el mercado artístico contemporáneo más actual.
Comisariado por Carlos Delgado Mayordomo, el contexto se dibuja mediante análisis del territorio, el desplazamiento y la identidad. Los integrantes son Rubén Martín de Lucas, Mariajosé Gallardo, Irene Cruz, Renado Costa, Acaymo S. Cuesta, Keke Vilabelda, Eloy Arribas y Ernesto Rancaño.
Rubén Martín de Lucas (Madrid, 1977) con la Galería BAT Alberto Cornejo (Madrid), nos presenta una reinterpretación del texto biblico del génesis. Bajo el título “Génesis 1.28” aborda el tema de la superpoblación del planeta. Apoyándose en las líneas de la propia biblia “...Creced y multiplicaos, llenad la tierra y sometedla”. Apuesta por el término del “hombre como ombligo del universo” y el propio artista se adueña de este concepto y lo reinterpreta con la convicción de que “somos nosotros los que pertenecemos a la tierra”.
El planeta lo compartimos con muchas especies y sobre ellas estamos ejerciendo una presión creciente, sobre estas convicciones descansa la obra central del One Project de este artista madrileño. La pieza formada por cuatro vídeos, nos acercan a figuras geométricas plasmadas sobre el paisaje y habitadas por personas. La multiplicación creciente es una preocupación que aborda a la sociedad más actual y evidencia la limitación de recursos y Rubén nos invita a reflexionar sobre ello.
Mariajosé Gallardo (Villaf. de los Barros, Badajoz, 1978), participa con Espacio Olvera (Sevilla). Una de las principales características de esta artista es la construcción de su propio vocabulario plástico, esto ha provocado que sus obras sean fácilmente reconocibles. En su imaginario colectivo se pueden apreciar símbolos, emblemas, motivos religiosos, esotéricos, ex-votos o relicarios. Esto hace esperar la versatilidad de la interpretación tanto plástica como estética.
Las alusiones a plantas de catedrales o demás sitios de culto religioso recuerdan la pasión de la artista por los lugares de poder y la convivencia de diferentes religiones en un mismo espacio. Esto remarca la calidad sagrada del mismo espacio que favorece a la convivencia divina y sacra. No sólo se nutre de la religión o la historia de la pintura, también utiliza como fuentes el cine, la moda, la música, el cómic o las artes plásticas. Múltiples escenarios para múltiples interpretaciones.
Irene cruz (Madrid, 1987) con la galería Fifty Dots Gallery (Barcelona), una artista muy reconocida en el panorama artístico contemporáneo. La estética de Cruz nos desvela el misterio, la privacidad y la integración en el paisaje del cuerpo humano femenino en su pleno esplendor. La despersonalización de sus modelos, obtiene gran protagonismo, dado que deja a un lado las emociones y refuerza los sentimiento universales. La luz, del atardecer o la luz fría de la mañana juegan a su favor a la hora de elaborar su discurso narrativo.
La intimidad y la sutileza envuelven el escenario haciendo partícipe al espectador de dicha experiencia. La clave principal es la palabra “liminal” que hace referencia a la posición inicial de un proceso, o bien estando a ambos lados de una frontera o umbral. Esto hace referencia al proceso entre el día y la noche, la tranquilidad y la inquietud. No lo utiliza como un límite, sino como un camino hacia la naturaleza que para ella lo es todo.
Renato Costa (Río de Janeiro, Brasil, 1974) que participa con Galería Javier Silva (Valladolid) con “TAN-GENTES”, el proyecto apuesta por la asociación del concepto entre dos puntos y nuestra inherente condición humana. Formado por tres piezas de video y dos obras pictóricas, acompañan la idea de diálogo entre distintas disciplinas artísticas, así como las relaciones entre la localización de la dimensión humana abordando cuestiones globales como el desplazamiento de la población o la crisis ambiental.
Más concretamente, en el proyecto que estará presente en esta sección de los One Project, aborda la cuestión de Alteridad, la concepción genérica que comprende la figura del otro. Las imágenes reales de las piezas son escenarios de los interiores del metro que caminan en una línea entre el artificio y la realidad sirviendo así como una especie de crónica sobre la realidad del mundo emergente. Intercaladas con el vídeo, en conjunto escenifica la lucha entre el hilo y la columna de papeles que se encuentran en una proyección de textos distintos.
Acaymo S.Cuesta (Las Palmas de Gran Canaria, 1983) con la Galería La Isla (Madrid). Nos hace partícipes de TESOROS DE SIGNIFICANTES “ESPAÑA”. Los análisis de la realidad política que experimentamos como actualidad en nuestro país le hacen reflexionar al artista sobre esta situación en la que se dan a conocer los auténticos “gurús” de la información. Hablamos de periodistas, políticos, analistas o tertulianos que contribuyen al escenario de actualidad brindando su opinión en todos los canales de comunicación.
El “tertuliano de ley”, así es como les define, se desdibuja tras una farándula que cada vez tiende más al sensacionalismo, más propia de la realidad del espectáculo que de abordaje a temas con más peso en el día a día del ciudadano. Los niveles de veracidad de dichos argumentos se miden más por la popularidad de sus tertulianos que por una base argumentativa sólida. Esta atmósfera, de alineamiento recae directamente sobre el público que se somete a esta nueva tendencia de saturación de información.
Keke Vilabelda (Valencia, 1986) participante con Kir Royal Gallery (Madrid). Con su arqueología del desastre. Retos y reliquias de cuerpos que no fueron. Memoria de un paisaje del fracaso, hace una investigación sobre el paisaje urbano y la crisis que ha sufrido debido al desarrollismo salvaje, cuya principal consecuencia se hace visible en nuestras ciudades con cadáveres de hormigón. Como un arqueólogo del S.XXI, muestra un cementerio de ruinas y varias estructuras se integran en el landscape y nos recuerdan el fracaso de gestión y desarrollo económico.
La reliquia, es aquello que anteriormente formaba parte del todo completo, un concepto que se asocia con el de ruina, el resto y el fragmento. Del mismo modo la idea de olvido, memoria, melancolía o recuero nos ayudan a leer esta visión de ruina/reliquia que Viiabelda nos presenta. Su trabajo reúne más de 6.000 km de paisaje especulativo peninsular, un viaje a por los yacimientos actuales.
Eloy Arribas (Valladolid, 1991) con Silves Arte Contemporáneo (Huércal-Overa, Almería) apuesta por “Ascenso y caída de un piloto de carreras ilegales”, una serie de pinturas y esculturas realizadas por el artista en 2016. Los iconos, un carrito de la compra, de supermercado abandonado en un descampado, al atardecer. Flores de plástico. Adolescentes bellísimos haciendo botellón en un aparcamiento. El monumento al fundador de la ciudad rodeado de vallas de obra, y lleno de cagadas de paloma.
Todas estas referencias al mundo en el cual vivimos, traen de la mano estas imágenes de un espíritu decadente en el cual nos introducimos con su obra. Para el artista muchas de estas situaciones límite despiertan en el espectador una belleza casi suprema. El discurso, basado en la observación y la interpretación plástica le acercan a la idea de “tempus fugit”, cuya iconografía ha sido transformada con la llegada de la contemporaneidad.
Ernesto Rancaño (La Habana, Cuba, 1968) participa con South Border Gallery (Beirut, Líbano). “Sombras del ayer” es el título de su obra que propone una reflexión sobre la antología memoria-olvido, soledad-compañia, pasado-presente de la vida en general. Para el artista el ser humano está condicionado por la relación presente-futuro y sobre su obra proyecta su visión hacia el futuro y busca respuestas para lo que se avecina. Una especie de recorrido lineal sobre el cual el hombre avizora y completa.
La construcción de dos realidades que se entrecruzan entre sí hacen que se cree un ambiente que juega entre lo real y lo ilusorio. Por un lado el objeto físico que cualquier persona ha podido perder a lo largo de su vida y por otro la sensación que se experimenta automáticamente de vulnerabilidad y vacío que hacen que no podamos disfrutar del presente. El objeto y la sombra que proyecta son el discurso que Rancaño nos presenta.
Fuente: http://www.art-madrid.com
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